Newo ist ein aufgeweckter Junge aus Israel mit langen, blonden Locken und ganz besonderen Hobbies. Er geht leidenschaftlich gern ins klassische Ballett und kann sich schminken wie ein richtiger Maskenbildner. Die Jungs in seiner Klasse finden das uncool. Doch Newo geht unbeirrt seinen Weg – tanzend.

Marja Burchard ordnet den umfangreichen Nachlass ihres verstorbenen Vaters, der lange Jahre die zentrale Figur des legendären Krautrock-Kollektivs Embryo gewesen war. Ihre Entscheidung, seinen Weg mit Embryo weiterzugehen, ist keineswegs eine gepflasterte Erfolgsstraße. Zwischen Kartontürmen und Bergen unbeschrifteter CDs entfaltet sich die Wucht dieser Aufgabe, und die Frage drängt sich auf, wie frei man als Tochter einer Legende wirklich sein kann. So wie es der Formation Embryo gelingt, Musiker und Künstler aus aller Welt zusammenzubringen und sich musikalisch immer wieder neue Wege zu erschließen, so schafft es der Film, Brücken zwischen der Vergangenheit und dem Heute zu bauen und Sehgewohnheiten herauszufordern. Am Ende entsteht so eine Komposition kunstvoller Bild- und Klangmontagen, die in ihrem ganz eigenen Rhythmus erklingt und nachhallt.

Es gibt eine unentdeckte Welt der Geräusche und Töne. Klangkünstler Matthew Herbert ist ihr Botschafter. Er bereist den Planeten um hörbar zu machen, was verborgen ist oder nicht wahrgenommen wird: das Innere eines Baumes, nackte Füße auf Kartoffelchips oder das Geräusch eines gezogenen Zahns. Er zeichnet auf, verändert, kombiniert und kreiert mit überbordender Freude am Experiment aus den gesammelten Tönen Klangkunst. Seinem Publikum eröffnet Herbert mit seinem schier unerschöpflichen Erfindungsreichtum nicht weniger als eine neue Dimension der Wahrnehmung. Dass er neben all seinen anderen Arbeiten ausgerechnet ein Buch über die Stille verfasst, wirkt überraschend konsequent.

Ari wohnt mit ihrer Familie am Rande von Mexico-City. Sie vermisst ihren Opa Pedro, der im letzten Jahr gestorben ist, sehr. Nun steht das jährliche traditionelle „Fest der Toten“ vor der Tür – die Mexikaner glauben daran, dass an diesem Tag die Seelen der Verstorbenen ihre Familien besuchen. Ari muss wichtige Vorbereitungen treffen, denn vielleicht wird sie ihrem Opa endlich wieder begegnen.

Anmut, Schwerelosigkeit, Leichtfüßigkeit – Eigenschaften, die man gemeinhin mit Ballett verbindet, sie alle fallen nicht vom Himmel. Vielmehr muss jede Bewegung in einem jahrelangen Übungsprozess einstudiert und perfektioniert werden. Der Film beobachtet Unterrichtsstunden in einer Ballettschule, von den ganz kleinen Mädchen, die am liebsten einfach nur wild durch den Saal hüpfen würden, bis zu den mehr oder weniger erwachsenen Elevinnen in ihren Spitzenschuhen. Es geht um Disziplin und Ausdauer, um Präzision und Rhythmusgefühl, um Hingabe und Freude am Tanzen. Dabei ist „Ballett“ nicht nur (wie der Titel verrät) ein Dokumentarfilm, er verneigt sich in seiner Machart auch vor dem Stummfilmgenre. Und wo Worte fehlen, sprechen Musik und Tanz Bände.

“Kopfverletzung! Er blutet, Jungs. Das müssen wir überprüfen.” Der junge Fußballschiedsrichter Fedayi San steht unter gewaltigem Druck. Wenn es drauf ankommt, ist er der Mann, der das Geschehen auf dem Platz bestimmt. Der unparteiische Dirigent des Spiels, der über weite Strecken unsichtbar bleibt, aber von einem Moment auf den anderen die geballten Emotionen des Publikums und Spieler auf sich zieht. Roman Hodel bleibt ganz dicht am Schiedsrichter dran, auf dem Feld und in der Kabine – mit acht Kameras und über 25 Mikrophonen. Über die virtuos gestaltete Tonebene kommt man ihm ungewohnt nahe, spürt jeden Anflug von Nervosität, hört die Versuche, Autorität wiederherzustellen, folgt dem Abgleich seiner Wahrnehmungen mit den Assistenten. Auf der Tribüne: der extra aus der Türkei angereiste Papa, der seinen Sohn selbstverständlich nicht aus den Augen lässt.

England im 19. Jahrhundert: Ein Junge klettert im Inneren eines Schornsteins empor, in dem ein Mauersegler sein Nest gebaut hat. Es kommt zu einer kurzen, zärtlichen Begegnung zwischen dem freien Tier und dem Kind. Fast scheint so etwas wie Hoffnung auf, doch der Traum, dem Vogel in die Freiheit zu folgen, ist unerreichbar. Zu der einprägsam animierten Bildebene lauscht man dem Bericht eines Schornsteinfegermeisters, wie er „climbing boys“ für ihre gefährliche Arbeit in engen, dunklen Schornsteinen anlernt - und dabei doch auch über sich selbst und seine eigene Kindheit spricht. Ein Teufelskreis, in dem erlittene Verletzungen von den Überlebenden an die nächste Generation weitergegeben werden.

Vera erkrankt wie aus heiterem Himmel an einer schweren, anlasslosen Depression. Das medizinische Kürzel dafür lautet F32.2. Mithilfe eines Briefwechsels mit ihrer engen Freundin, der Filmemacherin Annelie Boros, versuchen beide, diesen Zustand zu beschreiben und zu verstehen. Doch eine griffige, abschließende Erklärung gibt es nicht. Auch die zu Rate gezogenen Experten können sich nur herantasten. Der sehr persönliche Austausch zwischen den Freundinnen nimmt das Publikum mit in die Untiefen einer Krankheit, deren Wurzeln nach wie vor nicht vollständig geklärt sind, dann aber auch wieder auf einen Weg, der aufwärts führt.

Teilnehmer eines Deutsch-Sprachkurses erzählen das bekannte Märchen vom Hasen und vom Igel nach. So gut, wie sie es eben bislang auf Deutsch können. Ein unterhaltsamer Film, der das alte Märchen für uns ganz neu erklingen lässt.

Was hat Babygeschrei mit dem Echo eines Jodlers im Gebirge gemeinsam, was der Kopfton eines tuvinischen Nomaden mit der Bühnenshow eines Vokalartisten? Die Antwort lautet: DIE STIMME. Auf dem Hintergrund trutziger Alp- und moderner Stadtlandschaften dringt „Heimatklänge“ in die wundersamen Stimmwelten von drei exzeptionellen Schweizer Stimmartisten ein. Ihr Klangkosmos reicht weit über das hinaus, was wir als Gesang bezeichnen würden. Die Musiker sind Teil eines zukunftweisenden Aufbruchs der alpenländischen Vokalkunst. In ihren experimentierfreudigen Auseinandersetzungen mit heimischen und fremden Traditionen wird die Bergwelt mit ihren mächtigen Naturschauspielen ebenso zur Bühne, wie die Landschaften und Geräuschkulissen der modernen Lebenswelten.

Dieser Film wird als "Carte Blanche" gespielt: d.h. er wird - außer Konkurrenz - von einem befreundeten Filmfestival präsentiert und moderiert.

Ein Projekt mit Aiblinger Bürger*innen im Rahmen des ZAMMA-Festivals.

„Wer bist du?" fragt Katharina Pethke mit diesem Film einen Menschen, dem sie einst nah war... oder noch ist? Sie ist Dokumentarfilmerin, er Schauspieler. Der Film erzählt von der Unmöglichkeit, ihn zu dokumentieren und greifbar zu machen, da Spielen sein Wesen zu sein scheint. Er bestimmt das Verhältnis von Nähe und Distanz in der Beziehung und auch in der Filmarbeit. Durch die kunstvolle Montage von Fotos aus der gemeinsamen Zeit, Geräuschen und Text macht sie seine Selbst- Inszenierung zum Thema und emanzipiert sich dadurch von seiner Regie.

„Wer bin ich?“ „Wer will ich sein?“ Kaddi Malika, die Tochter der Regisseurin, ist in zwei Kulturen zuhause. Ihre Mutter ist Deutsche, ihr Vater kommt aus Ghana. Mutig stellt das Mädchen alles in Frage. In ihrem Gedankenspiel "Was wäre wenn" vermengt sie Fremdes mit Vertrautem und macht die Vergangenheit zur Gegenwart.

Maja, Luna, Nick, Amira Pauletta, Oskar und Alex haben alle einen Traum - sie wollen auf die große Bühne. Als sie in das Kinderensemble des Berliner Friedrichstadtpalasts aufgenommen werden, scheint dieser endlich wahr zu werden. Doch der Weg zur Aufführung ist schwer und anstrengend. Sie müssen tanzen, singen, Texte lernen und über sich hinauswachsen.

Daniel Asadi Faezi lädt seinen Vater und seinen Onkel ein, sich ihre gemeinsame und doch so unterschiedliche Vergangenheit zu vergegenwärtigen. In einem sorgsam arrangierten Raum werden Briefe als Zeugnisse einer Zeit ausgebreitet, in der die Familie durch Revolution und Krieg auseinander gerissen wurde. Während sein Vater in Deutschland schon eine neue Heimat gefunden hatte, sah der Onkel seine Zukunft noch im Iran. Gegenseitig lesen sie sich die Zeilen vor, die sie als junge Männer geschrieben oder von ihren Verwandten erhalten hatten. Die verbindende Kraft und der Klang der Sprache werden zu zentralen Elementen dieses Films. Sie machen die Geschichte einer Familie lebendig, die auch durch politische und religiöse Ansichten gespalten aber stets in Gedanken und Worten beisammen war.

Sabine und Franz Pirker unterhalten sich. Das wäre an sich keiner weiteren Beachtung wert, wären die beiden Eheleute nicht taubblind. Kommunikation ist für sie nur über den Tastsinn möglich. So bedienen sie sich des von Hieronymus Lorm entwickelten Tastalphabets, Lormen, um zu kommunizieren. Tippend, streichend und wischend werden Buchstaben und Syntax in die Handfläche des Partners geschrieben. Julia Daschners Kamera beobachtet die beiden bei einer Unterhaltung. Die Einstellungen des tastenden Gesprächs sind eng, scharfe Lichtkanten betonen Hände und Silhouetten. In kontrastreichem Schwarz-Weiß werden die schnellen Bewegungen der Finger verfolgt, begleitet von überdeutlichem Ratschen und Schaben. Wir verstehen kein Wort, und kommen dem Austausch doch so nahe, dass wir ihn fast auf der eigenen Haut erspüren können.

Caroline ist eine Grande Dame – stets gut gekleidet, würdig, mit einem feinen Sinn für Humor. Und sie ist eine Kämpferin – gegen die Erwartungen an Frauen, sich anzupassen und Heim und Herd als die Grenzen des eigenen Kosmos anzuerkennen. Als junge Frau  befreit sich Caroline aus der Ehe, die ihre Eltern für sie arrangiert haben, und wird eine erfolgreiche Geschäftsfrau. Jahre später ist ihr Enkel in den Grenzen und Zwängen des männlichen Geschlechts gefangen. Stéphane, feinsinnig und schwul wird mit der Härte des homophoben Machismo der großbürgerlichen Gesellschaft konfrontiert. Seit seinem dreizehnten Lebensjahr erkundet Stéphane seine Umgebung mit der Videokamera, aus diesem umfangreichen Bildarchiv hat er ein berührendes Doppelporträt gezeichnet: über seine flamboyante Großmutter Caroline und sich selbst, den schwulen Jungen, der wie seine Oma ansetzt, die konservativen Vorstellungen über Geschlechterverhältnisse und Sexualität kühn zu überschreiten.

Der alte Güterbahnhof von Zürich, einst das Handelstor der Schweiz zur Welt, soll einem modernen Gefängniszentrum weichen. Von einem Ort der Weite wird das Gelände zu einem Ort der Enge, der Verschlossenheit und Resignation. Regisseur Thomas Imbach beobachtet über sieben Jahre das Geschehen von seinem Fenster aus: die qualvollen Abbrucharbeiten, den jahrelangen Stillstand, den rohen Neubau. Seiner Trauer über die Auslöschung von Geschichte verleiht er Ausdruck durch die Erinnerungen an seine Großmutter und den Abschied von einem guten Freund. Wie als Echo aus der Zukunft lässt er Menschen zu Wort kommen, die diesen Ort einst bewohnen werden: Menschen in Abschiebehaft. Und doch trotzt Imbach der Baustelle durch eine virtuose Ton- und Bildmontage auch Momente der Schönheit und Komik ab. Die Maschinen agieren wie ungelenke Tiere, hungrig nach Beton. Die Bauarbeiter laufen wie Lego-Männchen durchs Bild. Zwischen Bildern der Zerstörung entdeckt er Leben: die Natur erobert das Gelände zurück, Menschen genießen die Sonne, haben Liebschaften und improvisieren Straßenfeste. Eine persönliche Chronik des Wandels.

Ein Mann in einem runden Raum entdeckt ein seltsames Phänomen. Nach und nach entstehen 8 Kopien von ihm, die sich synchron bewegen. Es beginnt ein wilder Tanz in einer runden, symmetrischen Welt, einem Kaleidoskop von einem Menschen und acht Kameras.

Eine Glashütte in der deutsch-tschechischen Grenzregion. Langsam erwacht die Werkshalle aus Stahl und Feueröfen zum Leben. Die Arbeit der jungen Männer ist archaisch und elementar. Das Glas wird wieder und wieder im Feuer erhitzt und mit Wasser und Atem geformt. Durch die schweißtreibende Nachtschicht hilft der Zauber der Routine. Wir tauchen ein in ihren Rhythmus, erleben in präzisen Bildern ihre immer gleichen Bewegungsabläufe gleich einem Tanz mit dem glühenden, fragilen Material. Die Tonebene wandert vom äußeren Erleben der aufdringlichen, lärmenden Umgebung hinein in die innere Welt der Protagonisten. Pausen ordnen die Nacht, die Brotzeit wird zur kleinen Oase der Ruhe. Die Gespräche sind sparsam und lassen doch fühlen, dass diejenigen die hier arbeiten eine verschworene Gemeinschaft sind. Eine kleine Gruppe junger Menschen die eine alte Kulturtechnik beherrschen. Eine Symphonie aus Muskelmasse und Fingerspitzengefühl, klingendem Glas und loderndem Feuer.

Die New York Times nannte ihn den „wichtigsten Mix von Musik und Film seit den frühen 70’ern“, unter Cineasten und Musikliebhabern ist „Step Across The Border“ längst Kult. Der britische Musiker und Komponist Fred Frith durchstreift darin hörend die Welt. Jeder Moment, jede Begegnung kann zu Musik werden: die Linsen im japanischen Supermarkt, das Bierfass auf der Terrasse befreundeter Musiker, der Bindfaden zwischen den Saiten seiner E-Gitarre auf der Konzertbühne. Die Filmemacher Werner Penzel und Nicolas Humbert begleiten Frith - im doppelten Sinne des Wortes. Kamera, Zelluloid und Montage werden zu gleichberechtigten Instrumenten in dieser „Zelluloid-Improvisation“. Sie sammeln Bilder und Töne, Gedanken und Situationen, Performances und Zufälle und durchweben sie mit Friths Kompositionen in diesem Klassiker des Musikfilms.

Ein heißer, trockener Wind weht durch die weite Wüste. Rundum nur Sand, Geröll, Gestrüpp - und Pferde. Sie sind Fremde in der unwirtlichen Landschaft im Süden Namibias. Die deutschen und südafrikanischen Kolonialherren hatten sie mitgebracht. Früher Symbol von Macht und militärischer Herrschaft, wurden sie schließlich zurückgelassen und verwilderten. Eine kleine Gruppe von ihnen überlebt seit hundert Jahren in der Kargheit. Abgemagert versuchen sie, die wenigen Pflanzenteile aus dem Sand aufzulesen. Annika Sehn lässt uns ruhig und konzentriert das Leben der Herde beobachten, wie sie kämpft und isst, schläft und sich um ein junges Fohlen kümmert. Ohne Worte entstehen Geschichten in der belebten Stille. Geschichten vom Überleben und Sterben, von der Vergangenheit und einer ungewissen Zukunft.

“Es ist schwer, solche Ereignisse zu vergessen.“ Eine japanische Reisegruppe begibt sich auf Tour durch Europa. Es ist das Jahr 1969 und die Begegnung zwischen Ost und West ist für beide Seiten eine neue Erfahrung. Im Rückblick erzählt ein Paar von der Fahrt, auf die sie detailliert vorbereitet hatten: ein Once-In-A-Lifetime Event. Alte Archivaufnahmen zeigen die Stationen: eine Bootsfahrt auf dem Rhein, einen Stierkampf in Spanien, Malen in einem Park in Frankreich. Eine Person fällt aus dem Gruppengefüge heraus: Tanaka. Er ist jünger als die anderen Teilnehmer, kleidet sich westlicher, zieht sich in sich zurück. Seine Tagebucheinträge verraten, welche Wirkung die Reise auf ihn hat, wie sie ihn überwältigt. Die Begegnung mit der Fremde stellt die Reisenden vor die Frage nach der eigenen Identität. Manche werden patriotischer, Tanaka hingegen idealisiert die europäische Kultur. Euphorie und Überforderung wechseln sich ab. Paris wird zum Höhepunkt und Ende einer Reise.

Ein altes Videoband, aufgenommen während eines Familienurlaubs: In einem Planschbecken sitzt die Filmemacherin, Senem Göcmen, damals sechs Monate alt. Es ist ihr erster Aufenthalt in der Türkei. Der Urlaubsort, an dem sie ihre Sommer verbrachte, war einst das Land aus dem ihre Eltern und Großeltern nach Deutschland auswanderten. Heute ist die Familie wieder dorthin zurückgekehrt, nur Senem ist in Deutschland geblieben. Von der Gastarbeiter-Identität ist in der dritten Generation nur noch wenig zu spüren, doch die Frage nach Heimat und dem Gefühl der Verbundenheit ist umso brennender. Göcmen begibt sich auf die Suche und nähert sich in einer poetischen Collage aus Interviews, alten und neuen Videoaufnahmen und Archivmaterial ihrer Familiengeschichte.

Wie haben Gymnasiasten das Vakuum der Corona-Lockdowns erlebt? Wozu das Aufstehen jeden Morgen? Wozu das Lernen für die Schule? Solchen Fragen gingen Schülerinnen und Schüler der Oberstufe des Gymnasiums Bruckmühl in einem dokumentarischen Kurzfilm nach, indem sie ihre Bildschirmkameras als Fenster in ihre von einer Pandemie bestimmten Welt nutzten - und davon erzählen. 

„Historiker und Archivare werden versuchen, Ereignisse objektiv und chronologisch zu rekonstruieren. Die Aufgabe des Dokumentarfilmers geht darüber hinaus.“ Mit dieser Beschreibung deutet Bernhard Hetzenauer seine Arbeitsweise an. Ganz reduziert auf die Projektion alter Dias seiner Großmutter, zieht uns der Film hinein in die persönlichen Erinnerungen des Enkels. Die Besuche im Seniorenheim, die Fotografie des im Zweiten Weltkrieg gefallenen Geliebten, die Sparsamkeit der an Entbehrung Gewöhnten. Nach und nach entfaltet er ein präzises Bild der alten Frau und seiner immer wieder an ihre Grenzen stoßenden Beziehung zu ihr. Der Verlust der Sprache, die sich um die Großmutter mit der Zeit ausbreitet, ist eine Zäsur und Kluft. In dieser Sprachlosigkeit erkennt sich der Erzähler selbst: „Nicht man selbst sein können. Das ist das Gefühl unserer Familie.“

Der Zündfunk, das Bayern 2-Flaggschiff für alles was jung und hip sein möchte, wird 40. „Pop and Politics“ ist Motto und Anspruch zugleich. Netz und Kultur werden auf Podiumsdiskussionen verhandelt, während im Studio Rocklegenden und Shooting Stars ihre Gitarren an den Amp stecken. Sind wir auf Sendung? Läuft das Aufnahmegerät? Ist die Diskussion auf der Höhe der Zeit? Entstanden als Sprachrohr der alternativen Szene versucht der Zündfunk auch heute, ein Seismograph popkultureller Bewegungen zu sein. Gelingt das einem Hörfunkmagazin das längst zum Radio-Establishment gehört und Generationen an Redakteuren kommen und gehen sah? Die Filmemacher werfen einen Blick in die redaktionellen Eingeweide dieser Radio-Institution und stellen die ewigen Frage ihrer neuen und alten Macher: Was ist Zündfunk - und geht das noch besser?